知名攝影師斯蒂芬肖

　　知名攝影師斯蒂芬•肖1947年出生在紐約。斯蒂芬•肖對攝影的貢獻在於他能從日常平凡的街景和身邊的普通物品發現不尋常的美感，他將快照美學應用到藝術攝影中，並與其它幾位彩色攝影家一道確立了彩色攝影作為藝術攝影的形式。小編給大家整理了有關他的具體的介紹，分享給你們!

　　知名攝影師斯蒂芬•肖的生平：

　　斯蒂芬·肖1947年出生在紐約。6歲，得到一套簡易暗房工具，開始放照片。9歲，開始使用135相機拍攝照片;10歲，得到一本沃克·伊文斯***Walker Evans，1903-1975***的攝影畫冊《美國影像》***American Photographs***，深受伊文斯的影響。14歲，他向時任紐約現代藝術博物館攝影部主任的著名攝影家愛德華·斯泰肯***Edward Steichen，1879-1973***展示自己的作品集，斯泰肯當場收藏其中的三幅。17歲，認識安迪·沃霍爾， 並經常到他的工作室拍攝沃霍爾及其他藝術家的肖像和工作照。24歲，成為在紐約大都會藝術博物館有史以來第一個生前舉辦個展的攝影家。25歲，為了超越他已取得的成就，開始自駕車上路創作《美國表象》專案。 1972年，美國年輕藝術家斯蒂芬·肖爾駕車從紐約出發，開始了他環繞美國各地的旅行。這位在紐約長大的年輕人迴避開了他所熟悉的大城市，先到美國南部陌生的小鎮，之後，沿著著名的66號公路北上，前往中西部。他沒有用新聞報道的方式記錄美國國內正在發生的重大事件，而是用相機觀察和拍攝他每天所到達的每一個城鎮、路過的每一條街道、遇到的每一個普通人、住過的每一個旅館、睡過的每一張床鋪甚至吃過的每一頓飯和用過的每一個馬桶，並在日記本上記錄每天到過的地方、開了多少公里、吃過什麼食物、買過哪些明信片以及晚上看過的電視節目等。正如他所說，“我當時是在記錄我的生活。”

　　但是，肖爾並非只是機械地記錄他所看到的一切。他在出發前對此行有許多想法，其中包括決定不採用卡蒂埃-布勒鬆***Henri Cartier-Bresson，1908-2004年***“決定性瞬間”的抓拍方式拍攝;也不採用羅伯特·弗蘭克拍攝《美國人》的主觀紀實方法***他認為弗蘭克的手法過於尖銳***;而是借鑑沃克·埃文斯從平凡樸實的明信片照片中發現新的藝術語言的手法，拍攝明信片式的快照。埃文斯從10歲開始一共收集了近9000張明信片，他被明信片上往往採取正面取景拍攝美國各地主要街道的街景、建築和人物所吸引，認為這種由不知名攝影師拍攝的照片來源於大眾文化，比較貼近生活而不做作，能產生出與上世紀初美國著名攝影家阿爾弗雷德·施蒂格利茨***Alfred Stieglitz，1864-1946年***所倡導的高雅藝術攝影不同的攝影語言。因此，埃文斯在自己的攝影實踐中發展出一種看似沒有藝術、沒有攝影師主觀干預的客觀紀實性風格。

　　肖爾也十分喜歡收集明信片，曾於1971年在紐約蘇荷藝術區一家畫廊策劃展出他和另外兩位朋友收藏的明信片、新聞照片、色情照片和警察局拍攝的犯罪現場照片等。同年，他在去美國南部德州旅行時，用明信片攝影的方式拍攝了當地一個城市的街景、醫院、銀行、法院和旅館等的照片，之後送到紐約一家專門製作明信片的公司印製了56000張明信片，但一張都沒有賣出去。於是，他在1972年開始的旅行期間，將這些明信片偷偷放到沿途出售紀念品商店的明信片貨架上。另外，他還使用一種被稱作“米老鼠自動玩具相機”的相機拍攝了一組場景和人物的快照式照片，並送到柯達公司沖洗。這組照片自然和隨機的效果，是促成他開始《美國表象》專案的主要原因之一。由此可見，肖爾的早期攝影是受明信片和快照的拍攝方式影響。

　　在展出《美國表象》之後，肖爾發現他所使用的柯達135彩色負片膠捲在放大後顆粒過粗，因此，決定轉用大畫幅相機繼續拍攝。剛開始，他使用皇冠格拉菲4×5相機拍攝，並很快注意到大畫幅相機與135相機的拍攝方法完全不同。他認為，135相機是攝影師眼睛的延伸，可以隨機地抓拍;而大畫幅相機需要將相機放在三腳架上拍攝，膠片也比較貴，迫使攝影師慢下來，仔細思考最佳的拍攝地點和角度，以及照片的形式結構，然後才拍攝。另外，他注意到大畫幅鏡頭和底片能記錄甚至肉眼都無法看到的豐富細節，因此，他決定在《美國表象》的基礎上，使用大畫幅相機再創作一部新的作品。　　1973年夏天，肖爾帶著大畫幅相機再次開車上路，重新開始他的環美之行。這一次他採取了不同的拍攝方式。他通常會在感興趣的地方停下，選擇好拍攝地點，之後會在相機旁仔細觀察各種構成元素之間的關係，包括周圍建築的顏色、倒影和幾何構成、道路的走向、電線杆的位置和電線延伸的方向、廣告牌和交通燈、路邊停靠的車輛、行人和植物、藍天和白雲以及光線的方向和效果等，在思考出大致的構圖之後，才在毛玻璃上利用取景器的邊框進行最後的取捨。這種拍攝方法使攝影變得更加精確，而且是一個分析和沉思的過程。因此，雖然肖爾仍然用大畫幅拍攝室內的靜物、電視機床鋪、早餐等，但大部分作品是室外的十字路口街景、停車場、加油站、電影院、超市、房屋、櫥窗和人物等。

　　在使用了4×5相機之後，肖爾發現8×10大畫幅相機的清晰度更高，而且更適合拍攝建築，他很快便決定採用8×10相機繼續拍攝該專案。該專案早期作品在構圖上較為複雜。肖爾總是希望看出目力能及地方的透視關係，以及畫面中各種物體之間的構成方式，時常利用兩個電線杆將畫面分為三部分。通過這種觀察方法，他將外部混亂的世界變得有秩序，似乎是在協助觀者觀看。後來，他意識到這種方法過於傳統和複雜。1976年之後，他採用散點透視法構圖，讓觀者更注重體驗他在現場的感覺，以便讓觀眾注意到那個時代的特徵。1977年開始，他又試圖把135相機的拍攝方法應用到大畫幅相機上，試圖能抓拍到一些瞬間。1979年8月13日，他在優勝美地國家公園拍攝到的一幅家人郊遊的照片，便能看出這種既注重構圖又能捕捉瞬間的效果。由此表明，肖爾的創作過程是不斷嘗試和解決問題的過程。

　　肖爾在拍攝該專案的空閒時，喜歡閱讀莎士比亞的劇本。他尤其喜歡《哈姆雷特》中關於如何表演的說法。莎士比亞藉助丹麥王子哈姆雷特指出，表演不僅要自然，以成為現實世界的一面鏡子，同時，表演也要能反映一個時代的“形式和特徵”。肖爾在拍攝該專案時正是做到了既注重作品中色彩、線條、透視等的構成，又反映了上世紀70年代美國內地文化的面貌。他認為，平凡小鎮更能體現“美國文化的真面目”，彩色更能“表現時代的顏色”。薩考斯基在評價這部作品時指出，肖爾的照片“十分具有古典的精神，非常安靜，非常沉著……但不乏味，不空洞，而是耐人尋味。”1982年，該專案作品彙整合冊，題為《不尋常的地方》。這部作品現已被視為“彩色攝影的經典之作”。

　　在完成了《不尋常的地方》專案之後，肖爾從紐約搬到美國內地蒙大拿州，嘗試如何在沒有街道的匯聚線或電線杆製造出的空間幻覺情況下，仍然能拍出有三維空間感覺的自然風景照片。1990年代之後，當彩色照片已成為藝術攝影的主流時，他開始摸索拍攝黑白照片。自1982年開始，他一直擔任美國巴德學院攝影系主任，並親自教授攝影。作為攝影

　　教師，他根據每個學生的不同性格和才能協助發展他們的拍攝方式。通過這種教學方法，他也產生了許多攝影靈感。從2003年至2010年，他常常在一天或一週之內使用數碼相機創作許多不同主題的作品，之後送到蘋果公司利用其製作畫冊的軟體印製小型限量畫冊。雖然肖爾開始使用數碼相機，但他仍然保持用大畫幅相機拍攝的習慣，在觀察時精力高度集中，基本上每個畫面只拍一張。肖爾現在的攝影技術已爐火純青，即使是用傻瓜數碼相機拍攝，畫面的構成也非常耐看，能在二維的攝影平面上產生多維的效果。

　　斯蒂芬·肖對攝影的貢獻在於他能從日常平凡的街景和身邊的普通物品發現不尋常的美感，他將快照美學應用到藝術攝影中，並與其它幾位彩色攝影家一道確立了彩色攝影作為藝術攝影的形式。他用快照、彩色膠捲和大畫幅相機進行紀實攝影和風景攝影的手法，影響了如南·戈爾丁***Nan Goldin， 1953——***、馬丁·帕爾***Martin Parr，1952-***和安德烈·古斯基***Andreas Gursky，1955-***等攝影家，成為美國當代攝影大師之一。

　　知名攝影師斯蒂芬•肖的作品：

　　1972-1973年《美國表面》

　　1982年《不尋常之地》

　　2012年《照片的本質》

　　知名攝影師斯蒂芬•肖的展覽：

　　1976年，斯蒂芬·肖爾彩色攝影個展——美國紐約現代博物館